Critique de « Anatomie d’une chute » : un drame captivant en salle d’audience sur de petits détails

La Palme d’Or de Justine Triet est une déconstruction captivante et absurde d’un mariage.

L’Anatomie d’une chute de Justine Triet examine la manière dont l’information révèle le caractère, et vice versa, au cours d’un procès pour meurtre. Sandra, une romancière allemande interprétée par Sandra Hüller, est accusée d’avoir tué son mari, Samuel (Samuel Theis), dans leur cabane française isolée. Un an plus tard, dans la salle d’audience, leur relation est placée sous un microscope, soigneusement scrutée et triée à la vue du monde entier. Cela inclut leur fils adolescent aveugle, Daniel (Milo Machado Graner), le seul témoin de la mort de son père ; Daniel a également retrouvé le corps de Samuel après qu’il soit apparemment tombé d’une fenêtre haute, laissant d’étranges éclaboussures de sang à proximité et mourant sous l’impact.

Cependant, avant que l’intrigue ne se déroule, Triet et son co-scénariste Arthur Harari nous attirent avec des souvenirs et des morceaux de musique, y compris peut-être l’utilisation la plus amusante et la plus absurde d’une chanson de 50 Cent de mémoire récente ; une version instrumentale de son single « PIMP » optimiste et énergique de 2003 est un point important de l’intrigue ! Parallèlement au dialogue dans la salle d’audience, ces détails jouent un rôle tout aussi essentiel dans la découverte de l’identité des personnages, de leurs insécurités et, si une telle chose est possible, de leur véritable identité.

Le film présente des performances captivantes et des scènes de salle d’audience.

En réponse au ministère public français et à son impitoyable procureur (Antoine Reinartz), Sandra est obligée d’entreprendre des stratégies juridiques qui entrent en conflit avec sa propre vision de Samuel. Cela provoque des crises de conscience à la fois pour elle et pour Daniel, qui ne sait de plus en plus quoi croire.

Lorsque Sandra est jugée, elle est obligée de parler un français approximatif – la langue maternelle de son mari mais sa troisième langue ; elle se glisse occasionnellement vers l’anglais – ce qui la maintient en retrait pendant la majeure partie du film. Son avocat, Vincent (Swann Arlaud), est un ami personnel pour eux deux, et il n’a donc d’autre choix que d’aborder la mort de Samuel comme un suicide, puisqu’une chute accidentelle de son atelier dans le grenier semble difficile à prouver au jury. Avec sa liberté en jeu, elle n’a d’autre choix que d’accepter ce récit ; cela lui laisse un goût aigre dans la bouche, mais cela l’aide bientôt à voir Samuel sous un nouveau jour également.

Ces couches inattendues pour chaque personnage ne sont pas des rebondissements en soi puisqu’elles ne suivent pas la structure typique de mise en place/récompense, mais plutôt des zigzags narratifs qui aident à recadrer les événements existants et la façon dont le public voit le le mariage du couple. En fait, tout ce que nous voyons de Samuel, ce sont des reconstitutions ; il ne nous est présenté à l’écran qu’après sa mort, et tout ce que nous connaissons, ce sont les souvenirs d’autres personnes de lui et la visualisation par Triet des enregistrements secrets qu’il a pris de certaines de ses disputes avec Sandra.

Alors que leur mariage est en péril depuis un certain temps, peut-être plus que le public ou Daniel ne l’imaginait, Sandra est de plus en plus attaquée, alors que Reinartz se fraye un chemin à travers chaque monologue accusateur, menant une bataille juste qui le fait toujours paraître complètement détestable. Il est également utile que Hüller, dans son rôle de Sandra, tente de trouver un équilibre prudent entre le moi public et privé du personnage, même si elle fait souvent des erreurs et craque sous la pression. C’est une performance profondément vulnérable, qui ne se résume pas seulement au chagrin de la mort d’un conjoint et à l’angoisse d’être accusé de son meurtre, mais qui en fait un processus continu, la laissant au bout du rouleau. Lorsque le personnage, dans un moment privé, dit : « Je suis tellement fatigué de pleurer. C’est vraiment ridicule, c’est tellement épuisant », on croit pleinement que la prémisse du film – à laquelle on vient de nous présenter – est en train de s’effriter. chez elle pendant un an.

Cependant, l’arme secrète du film est sans doute Machado Graner, un enfant interprète qui assume une tâche d’une maturité monumentale, incarnant non seulement l’agonie incontrôlable de la perte, mais aussi la confusion et la suspicion du personnage concernant ce qui reste de sa famille. Personne ne veut croire que sa mère est une meurtrière, et encore moins que le mariage de ses parents est loin d’être parfait. Mais Daniel est tellement désespéré d’avoir une sorte de terrain solide sous ses pieds qu’il est prêt à accepter n’importe quelle possibilité, même la plus monstrueuse, si cela signifie avoir à nouveau une sorte de certitude. Machado Graner saisit donc toutes les issues possibles dès qu’elles se présentent, même si chaque nouvel élément de preuve ne fait que semer davantage la confusion chez Daniel, forçant le jeune acteur dans un état constant de recherche – et cela, également, sans utiliser le personnage du personnage. vue.

Triet garde la caméra fixée sur Daniel pendant plusieurs scènes de cour, en utilisant uniquement ses réactions et les dialogues des autres personnages juste hors écran pour guider le mouvement de sa caméra, qui tourne autour de lui à mesure que de nouvelles informations lui parviennent. Cet écart par rapport à la forme cinématographique traditionnelle du film ajoute non seulement un sentiment de réalisme à son expérience, mais désoriente également le spectateur. Cela maintient également Machado Graner dans le cadre autant que possible, nous attachant à sa fragilité.

Cependant, alors que les performances et les dialogues contribuent à rendre explicites les énigmes et les mentalités internes des différents personnages, de nombreux détails de conception et les implications de certaines questions tendent à déplacer le sous-texte du procès lui-même, qui devient en quelque sorte son propre caractère fluide. . Plus cela dure, plus les poursuites deviennent globales, visant non seulement le mariage de Sandra et Samuel mais aussi leurs carrières littéraires respectives, leur relation avec leur fils, et même la féminité et la sexualité de Sandra.

Anatomy of a Fall met à l’épreuve la féminité de Sandra.

Au début, le procès suit les preuves matérielles de la mort de Samuel, mais lorsque les choses ne s’additionnent pas de manière concluante dans un sens ou dans l’autre, il prend un récit plus pointu. Sandra, révèle le film avec désinvolture, est bisexuelle, ce dont sa famille a toujours été consciente, mais c’est un élément de son passé utilisé pour empoisonner le tribunal de l’opinion publique contre elle lorsque des questions sur son infidélité se posent. Plus tôt dans la journée de la mort de Samuel, elle est interviewée par une jeune journaliste, et leurs interactions – qui semblent coquettes, mais seulement avec désinvolture – deviennent également la preuve d’inconvenances implicites et de disputes potentielles entre le couple. (Samuel semble aussi saboter cette interview en jouant « PIMP » à un volume déraisonnable.)

C’est la manière la plus explicite dont la féminité de Sandra est mise à l’épreuve, suggérant une sorte de duplicité intrigante, bien qu’il existe également des manières plus implicites, qui sont tout aussi sinon plus sinistres. D’une part, son succès lui est reproché. Elle a prospéré à une époque où Samuel se retrouvait dans un vide professionnel. Cette intrigue secondaire prend certainement plus de nuances en cours de route, révélant que Samuel est un personnage dynamique bien que troublé, mais elle ne peut s’empêcher de jouer parfois comme la pièce maîtresse de tout le procès, nous obligeant à lire même la méchanceté du procureur comme une forme quelconque. de surcompensation. Aucune déclaration de sa part ne fait directement allusion à cela, mais l’assemblage rythmé et intelligent des scènes d’audience par le monteur Laurent Sénéchal laisse place à cette possibilité, étant donné où et comment ses plans de réaction semblent se manifester.

Malgré une performance complètement assurée de Reinartz, le langage cinématographique présenté fait le moindre trou dans ce qui semble être une quantité connue – une perspective et une motivation qui semblent tout à fait certaines. Nous savons ce que veut le procureur, tout comme nous savons ce que veut chaque personnage, mais de subtils éléments de doute s’insinuent depuis les bords de l’écran. De même, la façon dont Sandra se présente (c’est-à-dire la façon dont elle est conçue et présentée) semble sur le point d’introduire des doutes similaires, même si ceux-ci sont susceptibles d’être nourris par le public plutôt que par un personnage spécifique. Sa coupe de cheveux courte et son tailleur-pantalon gris sont l’antithèse d’une image archétypale de la féminité occidentale, celle qui, dans un récit judiciaire, pourrait chercher à plaire à un jury plus conservateur.

Le film ne s’adresse pas aux jurés en tant qu’individus, mais il devient difficile de ne pas se demander si quelqu’un sur le banc pourrait considérer Sandra avec plus de dédain en raison de son homosexualité, ou pourrait même la lire inconsciemment, grâce à son apparence subtilement masculine, comme quelqu’un de intrinsèquement. plus capable de brutalité. En fin de compte, chaque élément de preuve se résume à cela et à des préjugés similaires, et même en tant que public, il est difficile de ne pas prendre en compte certaines des notions avancées par le film, qu’elles sèment ou non le doute dans l’esprit des téléspectateurs.

L’utilisation du son par Justine Triet est sensationnelle.

Anatomie d’une chute ne dépend pas de la culpabilité ou de l’innocence de Sandra pour être efficace. En fait, sa perspective narrative semble dès le début approuver une version des faits et des événements, tandis que ses questions persistantes tendent à concerner la manière dont les diverses interprétations de ces faits et événements auront inévitablement un impact sur l’affaire. Le film est, d’une certaine manière, un jeu de devinettes anthropologique autant qu’un drame sinueux, avec des indices sous forme de détails physiques et de bribes d’informations qui semblent demander : « Comment cela fait-il ressembler Sandra au jury ? » qu’en est-il de son fils ?

Une manière particulièrement ironique d’y parvenir est par la musique, et plus particulièrement par la répétition instrumentale fréquente du « PIMP » de 50 Cent. La première fois qu’il apparaît, c’est une nuisance, ou peut-être même un instigateur, conçu pour interrompre ou sabotage. Le choix de la chanson n’a pas vraiment d’importance au début, lorsque Samuel la joue dans la scène d’ouverture de l’interview de Sandra – c’est un hasard absurde qui joue subtilement sur la nostalgie du début des années 2000 – mais lorsque le morceau devient une pièce à conviction dans l’affaire, tout ses significations potentielles doivent être analysées par nécessité, au cas où une sorte d’aperçu puisse apparaître, aussi mineur soit-il.

Au début, cela semble être un exercice d’absurdité, mais rencontrer le film selon ses propres conditions semble ouvrir tout un monde d’interprétations possibles, aussi bizarres soient-elles. Il y a, comme le note le procureur, le caractère sexuellement provocateur de la chanson, qui recadre immédiatement son entretien dans un contexte spécifique qui n’existait peut-être pas auparavant, et il existe de nombreuses lectures possibles qui pourraient apporter un nouvel éclairage sur l’affaire tout en étant tout aussi ridicules.

Les paroles absentes de la chanson, comme « Je ne sais pas ce que tu as entendu sur moi » ou « Mais une salope ne peut pas obtenir un dollar de moi », éclairent par inadvertance les thèmes d’insinuations et de spéculations du film, ou ses soupçons entourant l’histoire de Samuel. assurance-vie? Ses fûts en acier caribéens – un contraste immédiat avec l’environnement glacial de Sandra et Samuel – témoignent-ils d’une sorte de désir d’évasion ? Et le titre de l’album auquel il appartient, Get Rich or Die Tryin’, n’est-il qu’une ironie malheureuse étant donné la carrière en déclin de Samuel, ou fait-il également signe à une sorte d’intention énigmatique de sa part ? Tout cela ressemble à trop d’enquête sur un seul détail amusant, mais c’est un détail qui revient constamment, dans un film dont l’intrigue regorge de personnages analysant toutes les possibilités si cela signifie se rapprocher d’une sorte de vérité, qu’elle soit juridique ou spirituelle.

Peut-être que le sens derrière l’utilisation de la chanson est aussi inconnaissable que la question de savoir si c’est quelque chose que nous devrions examiner en premier lieu. La seule façon de donner un sens à toutes les preuves contradictoires est d’accepter cette contradiction, car sinon son inconnaissabilité peut rendre fou – comme c’est presque le cas de Daniel, un jeune personnage désespéré de trouver le sursis d’un schéma familier qui a du sens. Autant le monde de Sandra est bouleversé, autant le sien est plongé dans le même désarroi, comme en témoigne un autre signal musical qu’il essaie de rappeler au piano – l’envoûtant Asturias (Leyenda) d’Isaac Albéniz – mais ne parvient pas à jouer complètement, comme si certains de ses les notes sont devenues juste hors de sa portée.

Il s’agit d’une arythmie externe qui représente les pensées les plus intimes de Daniel, qu’il peut à peine former ou partager avec son entourage. Il n’a pas encore appris à analyser les informations comme le font les adultes qui l’entourent, mais le voir apprendre lentement à le faire est l’une des parties les plus captivantes de l’Anatomie d’une chute – parallèlement à la possibilité croissante qu’il puisse arriver à des conclusions qui endommagent les données. sa relation avec Sandra. Elle le sait aussi, et alors qu’elle le regarde constamment pendant le procès, la question de savoir ce qu’il adviendra de la mère et du fils devient tout aussi pressante et émotionnellement intrigante que celle de savoir qui a tué le père.

Anatomie d’une chute a été révisé à Cannes, où il a remporté la Palme d’Or. Il sort en salles le 13 octobre.