Critique de « Sly »: Un documentaire de Stallone qui ressemble à une suite de « Rocky »

Un regard dans les coulisses d’une star emblématique qui s’arrête juste avant une véritable intimité.

Pendant environ une heure, le documentaire Sly de Sylvester Stallone (réalisé par Thom Zimny) se déroule avec une dextérité surprenante, voyageant à travers les débuts de l’acteur/cinéaste à travers le prisme de ses rôles les plus emblématiques. Tant son sujet que son approche esthétique en font une œuvre efficace d’introspection et de critique artistique en surface, même si elle finit par perdre son focus. Jouant parfois comme un documentaire Rocky disparu, Sly évite le matériel émotionnellement épineux qu’il aurait pu autrement exploiter s’il n’avait pas été aussi respectueux envers son étoile centrale.

C’est le rare long métrage documentaire qui aurait pu bénéficier d’une série plus longue, mais avec une durée de 96 minutes, il établit une base de référence adéquate pour ceux qui recherchent un Stallone 101 rapide. Parmi les têtes parlantes figurent l’acteur, son frère Frank, son collaborateur de longue date. John Herzfeld et divers gros frappeurs hollywoodiens, du rival des années 80 Arnold Schwarzenegger à Quentin Tarantino.

Cette mosaïque d’interviewés cherche à répondre à la question de savoir qui est Sylvester Stallone, même si le sujet et le film lui-même semblent plutôt convaincus d’avoir la réponse. C’est un retour sur une longue carrière et 77 ans de vie, s’étendant sur les moments clés de succès tout en effaçant les éléments les plus laids du tapis. Cela frise l’autopromotion hagiographique – Stallone est producteur exécutif du film, après tout – mais la façon dont cela met en lumière son processus créatif en vaut tout à fait la peine.

De quoi parle Sly ?

Au début, Sly donne l’impression que la vie de Stallone a bouclé la boucle de manière significative, alors qu’il emballe son somptueux manoir de Malibu rempli de souvenirs hollywoodiens et envisage de retourner dans l’Est. Avant son succès fulgurant en écrivant et en jouant dans Rocky en 1976, Stallone a grandi dans le quartier agité de Hell’s Kitchen à New York, une image orale dont il peint de manière vivante en revisitant les rues désormais immaculées du quartier.

Réparti entre deux villes, ce cadre narratif permet non seulement à Stallone de réfléchir sur les gens et les lieux de son passé, mais il permet également à Zimny ​​de se concentrer sur diverses statues, figurines d’action et bustes réalistes commandés en privé de personnages emblématiques de Stallone, y compris Rocky dans sa victoire. pose, comme moyen d’introduire l’histoire de chaque avatar fictif à travers leur iconographie populaire. À partir de là, Stallone se replonge dans les récits de son enfance, depuis son enfance avec un père violent et réticent jusqu’à sa lutte pour être perçu comme autre chose qu’un esclave sans talent au début de sa carrière.

Stallone, dont les gros plans obliques et souvent tremblants constituent la majeure partie du film, se comporte avec une conscience de soi remarquable quant à ses limites, et un esprit critique tout aussi remarquable quant à ce que le public retire de chacune de ses images et où certains d’entre eux auraient pu échouer. En présentant Rocky Balboa et John Rambo à travers un cadre psychanalytique, il donne à ces héros du cinéma leur place en tant que plus que de simples icônes imposantes des années 80 ; pour lui, ce sont respectivement des extensions de lui-même et de son père. Certes, cela ressemble à une conclusion que Sly aurait pu articuler en s’appuyant habilement sur l’histoire de Stallone. Au lieu de cela, le film laisse peu de place à la découverte de mystères émotionnels, les présentant plutôt comme des conclusions sourdes et évidentes, telles qu’articulées par Stallone lui-même.

L’effet de cette structure narrative (ou de son absence) est une arme à double tranchant. Cela met pleinement en valeur la prévenance de Stallone, mettant en évidence l’intellect artistique qui lui est si souvent nié dans la conscience publique. Sur le papier, cette présentation de l’acteur comme quelqu’un avec un sens artistique et une profondeur émotionnelle sous-estimée et sous-estimée se lit comme un exercice visant à gonfler davantage l’ego hollywoodien, compte tenu de son implication dans le film. Mais dans l’exécution, Sly donne également à Stallone ses fleurs attendues depuis longtemps en tant que créateur d’une iconographie significative issue d’une histoire émotionnellement compliquée.

Il est également mignon (et très idiot) que, dans sa dernière demi-heure, Sly tente de présenter le personnage de Stallone dans The Expendables (dont l’entrée la plus récente a été un succès au box-office) comme étant à égalité avec Rocky et Rambo en termes d’impact et de reconnaissabilité. (Vous souvenez-vous du nom du personnage ? Dommage ; le film ne prend pas la peine de le mentionner.) C’est là qu’il commence à dérailler et devient une réécriture de l’auto-mythologie trop audacieuse et fictive pour être digérée. Mais jusque-là, sa réalisation s’avère suffisamment habile pour vous convaincre que nous n’apprécions pas autant que nous le devrions le travail de Stallone dans la création d’images honnêtes et ravissantes.

Les astuces cinématographiques de Sly font des merveilles.

Zimny ​​a travaillé sur de nombreux vidéoclips et films de concerts (principalement pour la légende Bruce Springsteen) et, avec la co-éditrice Annie Salsich, il perpétue son penchant pour la capture de l’iconographie américaine de manière rythmée. Il y a une énergie propulsive dans l’utilisation par le film d’images d’archives et de photographies, qu’il entrecoupe rapidement d’interviews de Stallone dans le présent.

Au bon moment, Sly juxtapose des images réelles avec de brèves scènes et des images fixes des films de Stallone, les liant émotionnellement et psychologiquement à travers des coupes rapides, comme s’il s’agissait de flashs d’inspiration. Le documentaire parle autant d’une personne créative que de son processus créatif, et il crée habilement l’illusion d’accorder un accès secret au troisième œil de Stallone dans les moments où il se tourne vers l’intérieur.

Divorcé de la connaissance de l’implication de Stallone, Sly est pratiquement révélateur dans la manière dont il utilise Rocky et Rambo comme moyens permettant à la star de se psychanalyser. Ses interviews sur ses débuts de carrière sont lucides et franches, surtout lorsqu’il exprime la manière dont le cinéma lui permet de recueillir l’adoration qui lui manquait lorsqu’il était enfant. Cependant, puisque Stallone est impliqué en fin de compte, Sly crée également le spectre inévitable de l’auto-promotion.

Par exemple, ses interviews en gros plan lui permettent d’être vulnérable, mais dans le cadre de contraintes cinématographiques qui s’opposent à la capture de toute l’ampleur de cette vulnérabilité. Le film s’éloigne rapidement de Stallone, plutôt que de conserver ses aveux. Il bouge et se tisse tout en le filmant de près, comme s’il s’agissait d’un boxeur le combattant sur le ring – un épanouissement qui va à l’encontre de l’idée que ces interviews pourraient être un espace de confort, lui permettant de s’ouvrir plus complètement. Il y a beaucoup de choses à traiter dans Sly, la plupart en valent la peine, mais il y a aussi le sentiment imminent qu’il manque quelque chose.

Sly ne tient pas la distance.

Un aperçu des coulisses comme celui-ci sert à rappeler aux téléspectateurs à quel point Rocky Balboa Stallone ressemble vraiment, de sa cadence et de sa posture à la façon dont il philosophe et sermonise de manière simple et intelligente. Cependant, ce qui sépare les deux, c’est que même si les films Rocky approfondissent le personnage dans sa forme la plus imparfaite et la plus susceptible, Sly est incapable (ou peut-être pas disposé) à faire de même.

Bien qu’une bonne partie de son exécution soit consacrée à expliquer la création (et le retour fréquent) par Stallone des personnages de Rocky et Rambo, il tronque les dernières décennies de sa carrière. Malheureusement, Sly finit par faire de même pour sa vie personnelle, et le documentaire en est le plus faible. Ses configurations sur Stallone utilisant l’art pop comme recherche de sens et d’épanouissement personnel finissent par avoir peu de résultats dans le processus. Ses thèmes de récursivité et de répétition – le retour fréquent de Stallone à des personnages et à des idées familiers lorsque les nouvelles ne fonctionnent pas – s’estompent simplement, plutôt que de lui révéler des couches ou de parvenir à une conclusion cathartique.

Pire encore, parcourir la vie de Stallone dans les années 2010, c’est aussi réduire à une simple note la mort de son fils Sage, qui a joué à ses côtés dans Rocky V et qui est largement présent dans le documentaire via des images d’archives. C’est une partie de son histoire qui est en grande partie passée sous silence bien que la perte devienne un élément clé de ses films qui suivraient, mais c’est là que l’implication de Stallone montre sa main, exposant les limites de l’auto-réflexion en tant que credo directeur pour un documentaire.

La mort de Sage est, bien entendu, un sujet privé et douloureux, comme le sont de nombreux sujets que Sly passe sous silence, du divorce de Stallone à sa litanie de questions juridiques. Les ignorer remet en question l’apparence même du film comme une rencontre intime avec l’une des plus grandes stars d’Hollywood. Le film est une enquête journalistique, mais uniquement selon les conditions de Stallone. Il prend ce qu’il propose et le transforme en une série de montages finement conçus, mais il ne va jamais plus loin, n’en demande jamais plus. C’est, par nature, un film qui se satisfait de la ligne partisane de son sujet, trahissant en premier lieu son esprit documentaire.

Au-delà d’un certain point, les dernières étapes de sa vie sont réduites à des sujets de relations publiques avec d’énormes écarts entre eux. Dans le processus, cela ne peut s’empêcher de recadrer le reste du film également, jetant le doute sur la quantité de vérité (à la fois émotionnelle et factuelle) dont le public avait réellement été informé au cours de la durée d’exécution précédente. Pris au mot, il y a suffisamment de recadrage utile d’iconographie fictive, et assez d’apparence de vulnérabilité, pour faire de Sly une montre attrayante – jusqu’au point où ce n’est pas le cas.

Sly est désormais diffusé sur Netflix.