Critique de « Shayda » : un début personnel et poétique sur les mères et les filles

De plus, un enfant acteur donne l’une des meilleures performances de l’année.

S’appuyant sur ses propres expériences d’enfance, la scénariste/réalisatrice Noora Niasari fait un premier long métrage captivant avec Shayda. Se déroulant dans l’Australie des années 90, ce drame est centré sur une mère iranienne, sa jeune fille et le mari violent auquel elle tente d’échapper. À travers leur histoire, Shayda suggère que le courage est un processus à multiples facettes construit par la peur et l’adversité, plutôt qu’une caractéristique innée.

Menée par un casting impeccable et une performance particulièrement puissante de la jeune actrice Selina Zahednia, Shayda oscille entre la vie privée et intime d’une mère et de sa fille dans un pays inconnu et les réseaux plus larges de la diaspora iranienne et du jargon juridique australien auquel elles sont forcées. naviguer. Les attentes qui leur sont imposées de part et d’autre vont de pair avec des impositions patriarcales étouffantes, se rapprochant toujours plus du refuge qu’ils ont temporairement construit. Ce film déroule l’histoire de chaque personnage comme s’il ouvrait des mondes entiers, tissant une tapisserie captivante de force et d’isolement, des forces toujours en guerre au sein des personnages et tout autour d’eux.

Le film qui en résulte est l’Australien candidat à l’Oscar du meilleur long métrage international et l’un des films les plus doux et poétiques sortis en salles cette année.

Shayda est une histoire puissante de mères et de filles.

Le film s’ouvre sur un sentiment d’urgence saisissant, alors que Shayda (Zar Amir Ebrahimi), une mère célibataire récemment immigrée, et l’assistante sociale Joyce (Leah Purcell), font rapidement passer Mona, 6 ans (Selina Zahednia), dans un aéroport de Melbourne. Il semble un instant qu’ils soient pourchassés. Mais cette scène chaotique s’avère être une répétition – un exercice destiné à demander à la jeune Mona de trouver un agent de sécurité en uniforme à l’aéroport si son père l’amenait seule ici.

Même avant de rencontrer le mari de Shayda, Hossein (Osamah Sami), sa présence est importante. C’est une menace à laquelle chaque personnage semble insuffisamment préparé, entre le langage corporel usé de Shayda, la confusion de Mona et les tentatives prudentes de Joyce pour amener Shayda à traduire ces scénarios hypothétiques de l’anglais au farsi afin que Mona comprenne quand elle pourrait être en danger. Le duo mère-fille vit avec Joyce dans un refuge pour femmes de banlieue, où d’autres femmes (australiennes et étrangères) ont trouvé refuge avec leurs propres mères et leurs jeunes enfants. Bien qu’ils aient chacun une histoire, ils la gardent généralement près de leur poitrine.

Alors que la décision du tribunal concernant le droit de visite d’Hossein est en attente, Joyce aide à traduire le cas de Shayda avec d’autres travailleurs sociaux par téléphone. À travers ces scènes difficiles, nous apprenons les détails des actions d’Hossein, qui, bien qu’elles soient implicites plutôt que montrées, nous font mal au ventre grâce aux narrations réticentes de Shayda dans le disque, au cours desquelles elle a failli s’arrêter. Lorsque le verdict n’est pas favorable à Shayda, la famille brisée est obligée de se réunir pendant quelques heures chaque semaine. Tels sont les grands traits de l’intrigue du film, racontée en grande partie à travers les yeux de Shayda. Cependant, la conception de Niasari de cette histoire accorde une importance égale à Mona (un avatar de la petite fille de 5 ans du réalisateur) et à la façon dont elle voit sa mère relever ce défi tumultueux pour sa propre sécurité et celle de sa fille.

Alors que Shayda fait de petits pas hors de sa coquille réservée, elle devient le centre narratif non seulement du public mais aussi de Mona, dont Niasari capte constamment le regard. Lorsque la mère lui coupe les cheveux avec défi, Mona regarde avec un amusement choqué. Le film parle tout autant de la lutte de Shayda pour l’autodétermination que de la lutte de Mona pour comprendre sa place dans cette histoire, en tant que jeune fille persane située à plusieurs continents de la culture de ses parents et de tout ce qu’elle sait. Il y a des allusions à d’autres Iraniens dans les marges du film, entre les magasins locaux vendant des épices familières et les amis de la famille que rencontre Shayda. Mais au début, elle n’a pas d’autre choix que de s’isoler de tout ce qui lui est familier pour le bien de Mona, étant donné à quel point Hossein est lié à la communauté iranienne locale. Cela laisse Mona, qui ne parle que le farsi, incapable de communiquer avec quelqu’un d’autre que sa mère, qui devient son lien avec tout ce qui est persan et iranien.

Cela devient particulièrement important étant donné le décor du film : la préparation de Norouz, le nouvel an perse.

Shayda est un film soigneusement conçu sur le renouveau.

Nowruz est une période de renouveau et de renaissance, une promesse dont Shayda a cruellement besoin. Cependant, ce Norouz en particulier lui semble étranger. Non seulement c’est la première fois qu’elle célèbre seule, loin de sa famille, mais les saisons sont également inversées. Dans l’hémisphère Nord, Norouz marque le début du printemps. En Australie, c’est le début de l’automne. Les feuilles meurent et les jours deviennent plus courts et plus froids. Les vacances n’offrent pas le sentiment d’espoir qu’elles devraient.

En plaçant le film autour de Nowruz, Niasari crée un paradoxe tonal vital, alors que Shayda tente de transmettre les rituels et les croyances de la fête tout en protégeant Mona de la sombre réalité à l’extérieur des murs du refuge. Leur péché principal, un arrangement de sept objets symboliques précédant Nowruz, n’occupe qu’un petit coin solitaire de la maison. Joyce est tout simplement accommodante, mais l’identité du duo mère-fille semble étouffée par défaut. L’un de ces objets, le sabzeh, une assiette de lentilles censées germer sur plusieurs jours, évoque particulièrement le printemps et la nouvelle vie, mais même lorsqu’il est placé sur le rebord d’une fenêtre, il ne peut s’empêcher d’entrer en conflit conceptuel avec les nuages ​​sombres à l’extérieur.

Le format d’image étroit de 4:3 du film est tout aussi étouffant, obligeant Shayda et Mona à occuper des coins plus petits d’un écran donné. (Les téléviseurs modernes et même la plupart des théâtres modernes sont susceptibles de placer l’image d’un côté ou de l’autre, la présentant comme un petit fragment d’une image plus large à laquelle nous n’avons pas accès.) Et pourtant, la façon dont Shayda et Mona parviennent à voler la joie les moments dans ce cadre, et la façon dont elles invitent d’autres femmes du refuge à danser avec elles dans les moments de célébration, remplissent le film d’un élan et d’une beauté enivrante. Cela semble tangible et vivant.

Ce qui fonctionne le mieux dans le cinéma de Niasari, c’est son engagement en faveur du réalisme à travers des gros plans muets, qui donnent de la place à l’une des meilleures performances de l’année.

Shayda présente un ensemble puissant, dirigé par Zar Amir Ebrahimi.

L’année dernière, Zar Amir Ebrahimi a joué dans le thriller européen Holy Spider, se déroulant en Iran, un véritable récit policier se déroulant en 2000 sur la violence sexiste et la permission sociale qui lui est souvent accordée. Shayda joue, à certains égards, comme sa face B plus calme, une histoire beaucoup moins sensationnelle mais tout aussi vraie et importante qui puise dans la même source culturelle et arrive à point nommé. Le tournage s’est terminé quelques semaines seulement avant le début des manifestations généralisées « Zan, Zendegi, Azadi » (« Femme, vie, liberté ») en Iran.

En tant que Shayda, Ebrahimi se concentre sur l’intérieur pour nous donner un aperçu intime de ce à quoi peuvent ressembler la vie et la liberté lorsqu’elles sont alourdies par des attentes sociales envahissantes – ou plutôt, malgré ces fardeaux, qui prennent des formes à la fois subtiles et manifestes. Ils se manifestent à la fois par les regards passagers des membres conservateurs de la diaspora iranienne de Melbourne, lorsque Shayda commence à s’aventurer dehors et à socialiser davantage, mais ils deviennent particulièrement accablants à cause de la présence enveloppante d’Hossein alors qu’il commence à passer quelques heures seul avec Mona sur une base hebdomadaire. Pendant ces quelques heures chaque semaine, Shayda est submergée par une peur inimaginable.

Chaque nouvel obstacle se précipite sur Shayda à un million de kilomètres à l’heure, obligeant Ebrahimi à creuser profondément dans la mémoire musculaire du personnage alors qu’elle lutte avec ses propres instincts pour se couper du monde. Mais de l’autre côté de ce mur se trouve le bonheur potentiel, que ce soit sous la forme d’un nouvel intérêt amoureux – Farhad (Mojean Aria), un charmant jeune Canadien iranien qu’elle connaît par l’intermédiaire d’un ami – ou de la possibilité de donner à Mona une vie normale.

Bien sûr, le plus grand obstacle qui se dresse sur son chemin est Hossein, dont la sournoiserie gluante n’a d’égal que les éclairs de vulnérabilité dans la performance de Sami. Il crée un méchant réaliste et aux multiples facettes qui se sent profondément blessé à l’idée d’être séparé de sa fille, mais qui blesse d’autres personnes en essayant de la reconquérir. Ses tactiques de manipulation sont si fines que vous pourriez, à l’occasion, vous demander s’il est vraiment réformé et s’il mérite une seconde chance.

Selina Zahednia offre l’une des meilleures performances enfantines depuis des années.

Cependant, même si la violence réelle est rarement représentée, le point d’ancrage de la réalité volatile du film est Mona. Zahednia, sept ans, livre une performance remarquable dans son premier rôle, oscillant entre une ferveur excitée et enfantine et l’épuisement de vivre dans la peur. Son travail est terriblement réaliste, en particulier dans les moments où Hossein semble sur le point de la voler à Shayda, et l’enfant devient paralysé par des pensées et des possibilités terrifiantes.

Ce qui pèse le plus sur Shayda n’est pas le traumatisme genré que ressentent les femmes, mais les efforts qu’elles doivent déployer pour naviguer dans un avenir violent alors qu’elles disposent de peu de protections – juridiques, sociales ou autres – sauf pour elles-mêmes et les unes pour les autres. En puisant dans ses propres souvenirs, Niasari dresse un portrait émouvant du genre de force qui peut émerger dans ces scénarios contre toute attente. Elle honore la façon dont cela peut être appris et transmis de génération en génération, par des mères qui méritent de vivre une vie riche et complète qui leur est si souvent refusée. En tissant ces idées dans un tissu vibrant, elle crée l’un des films les plus puissants de l’année, un drame féministe se déroulant au carrefour délicat de la violence et de la libération.

Comment regarder : Shayda aura une version limitée à New York et à Los Angeles du 1er au 7 décembre et s’étendra au début de 2024.