Critique de « Maestro » : Bradley Cooper est encore une fois en deçà de la grandeur

Le biopic de Leonard Bernstein est magnifique, mais il lui manque le punch émotionnel nécessaire.

Maestro, la deuxième sortie de Bradley Cooper derrière la caméra, constitue un énorme changement stylistique par rapport à sa première, le remake de 2018 de A Star is Born. Cependant, ce qu’ils ont en commun (outre le fait de décrire la vie amoureuse des artistes), c’est qu’ils sont tous deux de bons films qui se rapprochent de très près d’être géniaux.

Son deuxième effort porte sur la vie de Leonard Bernstein, le célèbre compositeur et chef d’orchestre new-yorkais, que Cooper joue également. Tout en retraçant son parcours artistique, le film se concentre principalement sur le mariage de Bernstein avec l’actrice chilienne-costaricienne Felicia Montealegre (Carey Mulligan), de leur romance mouvementée à leur vie de famille en passant par la liaison de Bernstein avec plusieurs hommes au fil des ans. Maestro commence cependant avec un Bernstein âgé qui revient sur leur temps ensemble après la mort de Montealegre des suites d’un cancer, encadrant les événements du film sous forme de souvenir.

Maestro est un retour à l’âge d’or d’Hollywood

Bernstein, bien qu’il soit considéré comme le premier grand chef d’orchestre américain, est également le compositeur de deux films marquants : On The Waterfront d’Elia Kazan et West Side Story de Robert Wise et Jerome Robbins (il a également écrit la musique de la production scénique originale). . Bien qu’il soit davantage connu pour son travail théâtral et orchestral, l’objectif à travers lequel Cooper aborde Bernstein est, naturellement, cinématographique, entre l’emprunt d’éléments des partitions susmentionnées et la présentation d’une partie importante du film en noir et blanc approprié à l’époque et en 4. :3, puisque les premiers événements qu’il retrace se déroulent dans les années 1940.

Cependant, Cooper ne se contente pas d’effleurer la surface de l’âge d’or d’Hollywood. Il s’inspire plutôt de son ton et de son cadrage classique. Lorsque Bernstein et Montealegre se rencontrent pour la première fois, ils échangent des plaisanteries rapides et superposées tout droit sorties d’une comédie loufoque, et bien que Cooper et Mulligan marmonnent une grande partie de leur dialogue animé dans ces scènes, comprendre leurs mots n’est pas aussi important que comprendre le lien. Ils créent.

Cette section du film, qui retrace les premières relations entre Bernstein et Montealegre, est exubérante et énergique. La caméra prend vie et survole l’espace lors de l’excitation amoureuse et de la réussite professionnelle (deux idées qui s’entrelacent instantanément et présagent des choses à venir). Faisant à nouveau équipe avec le directeur de la photographie Matthew Libatique, Cooper crée des tableaux visuels séduisants composés de lumière, d’ombre et de silhouette, et pendant une grande partie du premier acte prolongé du film, presque chaque instant respire une passion envoûtante.

Maestro se rapproche du formalisme vif des premières comédies musicales hollywoodiennes et, parfois, se brise même en séquences de danse abstraites pour extérioriser silencieusement non seulement les papillons de la cour du couple, mais aussi les obstacles potentiels qui se dressent devant eux. À un moment donné, alors qu’il montre à Montealegre une première version de son ballet marin Fancy Free (la base éventuelle de On The Town), de nombreux danseurs remplissent la scène et, dans un moment onirique, Bernstein est emmené par le trio emblématique de marins du spectacle alors que un Montealegre abattu regarde, comprenant que son travail et celui des autres hommes homosexuels auront toujours l’attention de Bernstein.

Bradley Cooper devrait déjà réaliser une comédie musicale

C’est dommage que Cooper n’ait pas encore réalisé de comédie musicale, tant il s’adapte bien à la forme et à sa symbolique dynamique. Maestro lui permet de canaliser une approche cinématographique plus classique, celle d’un cadrage calculé et de mouvements qui semblent organiques lorsqu’ils sont utilisés pour ponctuer des émotions fortes – plutôt que son style libre et tenu à la main sur A Star Is Born, qui semblait souvent dispersés et ont laissé même les performances les plus puissantes de ce film se sentir déconnectées les unes des autres.

Ces segments en noir et blanc, qui canalisent à la fois le verbiage cinématographique et le faste et le glamour onirique de l’époque, sont ceux où le film semble le plus parfait et vierge, bien qu’avec des fissures qui commencent lentement à apparaître à chaque fois que Bernstein est entouré d’hommes avec lesquels il est impliqué. . Le spectre de l’homosexualité qui menace un couple de stars hollywoodiennes traditionnelles est sans aucun doute régressif en apparence, mais dans le contexte du récit – une mémoire cinématographique comme le rappelle Bernstein – il s’agit d’une rétrospective sur les aspects de sa vie qu’il est considéré comme acceptable de montrer. le monde en termes d’opéra, et quelles parties de lui sont trop subversives pour une telle chose. Il n’y a jamais de conversation verbale sur les raisons pour lesquelles Bernstein ne peut pas être vu sortir avec des hommes en public (bien sûr, la période est explicite), mais il y a plusieurs échanges silencieux qui élucident les sentiments de trahison qui y sont associés.

Le retour en arrière du film à l’âge d’or s’inscrit parfaitement dans la longue phase de lune de miel de Bernstein et Montealegre, mais avec quelques libertés qui conviennent au récit. Peut-être à juste titre, il omet leurs fiançailles rompues au cours de cette période et le sort d’une relation que Montealegre a eu entre-temps – c’est-à-dire jusqu’à ce que cela apparaisse plus tard dans le film lors d’une dispute, lorsque leur mariage est beaucoup moins aimable. Une fois que le film passe à la fin des années 50 et au début des années 60, il entre dans sa phase de couleur (tout en conservant sa forme carrée) et le vieux lustre séduisant d’Hollywood s’estompe finalement. Malheureusement, il n’y a pas beaucoup de pastiches pertinents que Cooper emploie à partir de ce moment-là, laissant peu de place au genre de fioritures visuelles et de retours en arrière qui ont fait chanter son premier acte.

D’une part, une approche plus fondée et plus réaliste s’aligne également sur les fissures dans la dynamique du couple qui se révèlent lentement. Cependant, les décisions cinématographiques ultérieures de Cooper ont tendance à sembler sans engagement sur le plan émotionnel, même lorsque les acteurs présentent un spectacle absolument génial.

« Les grandes performances de Maestro sont imparfaitement encadrées

Il y a quelques moments au cours des scènes de couleur où Cooper prend des décisions de mise en scène étonnantes qui s’écartent complètement de son travail précédent. Peut-être la scène la plus puissante de A Star Is Born met en scène Jack de Cooper et Ally de Lady Gaga engagés dans une vilaine dispute verbale dans la salle de bain, au cours de laquelle Cooper braque sa caméra flottante sur chacun de leurs gros plans, capturant leurs moments les plus bruts et les plus douloureux avec un regard inconfortable. proximité.

Bernstein et Montealegre se battent de la même manière, et les performances des deux acteurs sont tout aussi passionnées, mais cette fois-ci, Cooper garde la caméra à distance, capturant les deux personnages dans un plan principal large et immobile. Cela convient à un souvenir dont Bernstein veut probablement se distancier, et l’environnement dans lequel se déroule le plus grand de ces arguments l’informe également de manière ironique (gardez un œil sur la fenêtre voisine pour rire chaleureusement).

Cependant, l’une des principales raisons pour lesquelles cela fonctionne réside dans les performances physiques de Cooper et Mulligan. La scène laisse parler leur langage corporel et le contour de leur forme. Les deux acteurs sont parfaitement à l’écoute des situations difficiles et des points de vue de leurs personnages, et maintenant que le chevauchement de leurs dialogues est plus controversé que coquet, ils sont obligés de jouer un numéro de théâtre dans lequel ni Bernstein ni Montealegre ne veulent que l’autre soit. entendu, mais Cooper et Mulligan doivent s’assurer que leur partenaire de scène l’est. C’est tout un spectacle à voir, à la fois en retrait – en tant qu’exercice de performance théâtrale et d’échange minutieux d’énergie – et en tant que pièce maîtresse dramatique du film lui-même.

C’est le genre de performances vécues qui ne manqueront pas d’apparaître pendant la saison des récompenses, d’autant plus que l’Académie aime les jeux d’acteur spectaculaires complétés par des transformations physiques. Le faux nez exagéré de Cooper, mélangé à sa prestation à la H. Jon Benjamin (la voix d’Archer et Bob Belcher) lui donne une qualité caricaturale et caricaturale. La taille énorme de la prothèse laisse ses yeux ouvertement rapprochés, mais il traduit cela en une énergie enfantine qui convient parfaitement au premier acte fougueux, au cours duquel sa bouche a tendance à rester ouverte dans un sourire presque permanent.

Cependant, ce qui semble largement manquer à Maestro – quelque chose que A Star Is Born contient à la pelle – c’est la vitalité et la viscéralité de ces performances en gros plan. Ce n’est pas la faute de Mulligan, et certainement pas la faute de Cooper en tant qu’acteur, mais ce qu’il gagne en clarté dramatique et sous-textuelle en employant une approche de mise en scène plus classique, il le perd en spontanéité. Son approche formaliste devient trop rigide, trop restrictive.

La raison pour laquelle A Star Is Born était si dramatiquement engageante, même si elle avait souvent du mal à enchaîner une scène de manière cohérente, était qu’elle semblait empreinte d’une imprévisibilité explosive, comme si les moments les plus vulnérables des acteurs étaient créés (par les acteurs) et étudiés. (par la caméra) exactement au même moment. C’est quelque chose dans lequel Mulligan excelle ; prenez, par exemple, sa performance dans Wildlife de Paul Dano, qui semble presque entièrement liée à des moments de réflexion profonde et intime après que Dano ait appelé « couper », mais la caméra avait continué à tourner quelques secondes de plus. Maestro, en revanche, est un film beaucoup plus segmenté à cet égard.

À l’exception de l’argument susmentionné (et d’une autre prise ininterrompue de Bernstein dirigeant longuement), peu de scènes donnent l’impression d’avoir été méticuleusement exploitées pour exploiter tout leur potentiel dramatique. Le film place la barre haute en s’ouvrant sur la citation de Bernstein tirée d’une conférence à Harvard en 1976 : « Une œuvre d’art ne répond pas aux questions, elle les provoque ; et sa signification essentielle réside dans la tension entre des réponses contradictoires. » Pourtant, le petit Maestro est à la hauteur de ces hautes attentes.

Les contradictions de Bernstein dans le film se limitent à ses désirs physiques, et la caméra le sonde rarement à la recherche de complications plus profondes. De même, Montealegre se définit principalement par sa proximité avec Bernstein, et même si Mulligan en fait un repas – elle porte le désir et les insécurités du personnage dans chaque expression et mouvement – ​​il y a peu de sens non plus de la perspective de Montealegre, ni des forces internes qui l’animent. pourrait la tirer entre Bernstein et, enfin… pas Bernstein. Dans ce qui est malheureusement devenu typique de la mise en scène de Cooper, le tableau est puissant mais incomplet.

Comparés à A Star Is Born, les pièces de Maestro s’emboîtent toutes parfaitement, mais cela a un coût. La façon dont Cooper aborde la réconciliation du couple est visuellement impressionnante – un moment fluide de bonheur cinématographique sans dialogues et riche en musique qui se transforme en un crescendo entraînant – mais bien qu’il s’agisse d’une scène individuelle, cela semble en grande partie non mérité dans l’histoire. champ d’application plus vaste. Des pans du film semblent manquer, et pas seulement parce qu’il omet plusieurs aspects clés de la vie des personnages (comme reléguer l’identité juive de Bernstein à quelques lignes passagères, ou ignorer complètement l’activisme anti-guerre de Montealegre). Ce qui semble plutôt lui manquer, c’est la rigueur dramatique qui rendrait ses moments les plus lyriques et les plus émotionnels véritablement cathartiques.

Malgré les tragédies qui leur arrivent, trop de choses viennent trop facilement aux personnages de Maestro – comme les retrouvailles susmentionnées – parce que les parties les plus difficiles et les plus angoissantes de leur relation, ainsi que des processus dramatiques des acteurs, semblent avoir été laissées de côté. étage de la chambre. Autrement dit, si jamais ils avaient été conçus en premier lieu.

Maestro sort dans certains cinémas le 22 novembre et est diffusé sur Netflix le 20 décembre.