Critique de « Bob Marley : One Love » : un biopic standard qui évite les complications

Un film qui traite le roi du Reggae comme un autocollant de pare-chocs « coexister ».

Bob Marley : One Love est un exemple fascinant des nombreuses façons dont les biopics hollywoodiens (en particulier les biopics musicaux) ont tendance à mal tourner. Malgré ses quelques atouts esthétiques, le film du réalisateur de Joe Bell et King Richard, Reinaldo Marcus Green, complète une trilogie informelle de films biographiques banals qui ont peu à offrir au-delà des grands traits du sentiment par cœur.

Et pourtant, Bob Marley : One Love transcende parfois ces pièges, parfois pour le meilleur, mais surtout pour le pire. Il a plus d’émotions que ce à quoi on pourrait s’attendre d’un film de studio à tapis roulant qui traite une discographie célèbre comme la propriété intellectuelle d’une bande dessinée, mais il fonctionne également comme un aplatissement et un blanchiment historique de son sujet central. Bien qu’il fasse allusion à des troubles politiques en toile de fond, le film défigure une personnalité politique distincte, le réduisant à un autocollant de pare-chocs « coexister ».

Il y a beaucoup de choses à louer dans le film de Green, mais même souligner ses atouts semble sale. Tout ce qui fonctionne dans One Love finit au service de la marchandisation de Bob Marley depuis des décennies, un symbole de la culture pop désormais facilement découplé de la lutte réelle ou des perspectives politiques – comme une citation hors contexte de Martin Luther King Jr. déployée pour critiquer. manifestations, ou un t-shirt de créateur Che Guevara. Vous pourriez entrer dans le film en ne sachant absolument rien de Marley (joué par Kingsley Ben-Adir), et il y a de fortes chances que vous n’en soyez pas plus sage.

De quoi parle Bob Marley : One Love ?

Au strict minimum, One Love a une structure nouvelle, évitant le biopic hollywoodien traditionnel de la naissance à la mort au profit de flashbacks motivés par un sentiment de désir et de mémoire spirituelle. Le film raconte ses faits sur l’enfance, l’éducation et le succès initial de Marley sous forme de scènes du passé nichées dans un conte qui commence en 1976, pendant une période instable pour la Jamaïque lorsque Marley lui-même est devenu la cible d’une tentative d’assassinat.

Cependant, malgré quelques scènes initiales qui évoquent cet événement, le film ne parle pas du contact d’un homme avec la mort et de la façon dont cela influence sa vie. Pour l’essentiel, cela fait suite à son déménagement ultérieur à Londres à la recherche d’un nouveau son. Marley (« Skipper » pour ses camarades de groupe et son entourage) a le caractère d’un leader, et Ben-Adir lui confère un sentiment de prévenance et d’équilibre. Bien que le film fasse allusion à la politique jamaïcaine et aux complications de la vie personnelle de Marley, il rend sans objet même les parties les plus fines de sa performance centrale. Ben-Adir est complètement connecté aux réflexions spirituelles de Marley, flottant dans les airs lorsqu’il joue et parlant avec la cadence d’un prophète. Cependant, la caméra n’interroge jamais son rapport aux luttes réelles qui se déroulent en arrière-plan et juste hors champ, même dans les moments silencieux et isolés. Son aura semble déconnectée et inhumaine dans le processus.

C’est, au mieux, un film du strict minimum. Au moins Ben-Adir est séduisant ; au moins Lashana Lynch, qui incarne Rita, l’épouse de Marley, qui souffre depuis longtemps, joue avec une passion captivante. Au moins, ses coutures ne sont pas trop visibles, dans la veine de quelque chose comme Bohemian Rhapsody. Mais un personnage de la stature de Marley mérite bien mieux que « juste assez ».

Il se trouve que des allusions à un meilleur film émergent lors de certains flashbacks, dans lesquels Marley et Rita sont interprétées respectivement adolescentes par Quan-Dajai Henriques et Nia Ashi. Ces scènes, bien que brèves, regorgent de chaleur, de passion et de désir ; la façon dont Marley est capturé dans ces moments le fait se sentir ambitieux, comme s’il voulait quelque chose de vaste – peut-être changer le monde ou se changer lui-même. Malheureusement, le « présent » du film tient rarement cette promesse. Au lieu de cela, il s’agit simplement du retour d’un homme dans la cabine, alors que la plupart des autres préoccupations disparaissent.

La politique réductrice de Bob Marley : One Love

Peu de biopics ont été aussi denses en informations dans leurs cartes de texte d’ouverture et de clôture, établissant l’heure, le lieu et l’air du temps sociopolitique d’une manière que les images du film ne le font pas. Cependant, cette exposition écrite remplit une fonction secondaire intrigante en étant entièrement écrite au présent, bien qu’elle fasse référence à la fin des années 70. Il y a, dans le processus, un sentiment d’actualité dans One Love qui est fascinant à déballer – un mélange de passé et de futur, intentionnel ou non – qui tente de nous connecter à Marley à travers le temps, même si cela ne fonctionne pas toujours. Les flashbacks du film entrent dans le montage sans fioritures manifestes, comme s’il s’agissait simplement de scènes se déroulant dans le « maintenant ». Bob Marley est éternel, après tout, mais ce qu’il représente ici est également déconnecté du temps.

Alors que la violence entre les principales factions politiques éclate, la présence et la prédication de Marley ne deviennent guère plus qu’un fac-similé irréfléchi, comme si les nombreux scénaristes du film – Green, ainsi que Terence Winter, Frank E. Flowers et Zach Baylin – l’avaient rétro-conçu à partir d’un quelques paroles sur une affiche de dortoir. Il parle de l’activiste Marcus Garvey et fait de nombreuses références au Rastafari, mais lorsqu’il s’agit de sa musique, celles-ci ne sont guère plus que des slogans accrocheurs sur lesquels méditer, plutôt que des idéologies politiques contre lesquelles modeler sa musique.

En réalité, Marley ne s’est jamais engagé dans une étiquette politique, mais son travail a toujours été radicalement panafricain et anti-pauvreté. Dans le film, ces perspectives ne méritent que des mentions passagères, et toute séquence ou image de révolution ou de violence réelle est reléguée à des coupures de presse granuleuses et à des images d’archives. Ils existent quelque part dans un passé nébuleux, bien que le film se déroule dans son propre « présent », comme si ces préoccupations étaient entièrement distinctes de ce qui se déroulait à l’écran.

La réalisation est parfois intéressante, mais la plupart du temps tombe à plat.

Le film finit par surmonter ses scènes d’introduction ennuyeuses en faisant briller la musique de Marley. Le mixage sonore habile le fait jouer moins comme une comédie musicale de juke-box que comme une performance live intime (que ce soit en répétition ou devant une foule). C’est pour cela qu’il s’agit avant tout d’une expérience théâtrale.

Il plonge également parfois dans un territoire surréaliste, avec des motifs répétés comme Marley échappant à un champ de feu dans son enfance, et son ancien père blanc sans visage habillé comme un chasseur colonial britannique – un spectre personnel et politique qu’il passe des années à essayer d’affronter et de surmonter. . Cependant, ces symboles évoluent rarement ou prennent de nouvelles formes émotionnelles, laissant Ben-Adir faire le gros du travail dans ces scènes.

Chargé de capturer à la fois une personne et une icône culturelle, Ben-Adir est totalement engagé d’une manière qui mérite un cinéma hypnotique, mais il se retrouve plutôt face à une caméra qui semble sans engagement et discrète. L’acteur canalise l’esprit de Marley sur scène et capture un sentiment d’héroïsme historique dans sa stature et sa démarche. Sa performance constitue une face B fascinante de son travail de Malcolm X dans One Night in Miami, qui l’a vu imprégner des gestes, des postures et des excentricités familiers – si facilement parodiés et reproduits – d’un cœur humain battant. Dans One Love, il trouve également des moyens de prendre le Marley que nous connaissons, à partir d’interviews, de photographies et de performances sur scène, et de le mélanger à un Marley plus privé, faisant connaître l’inconnu et retraçant son évolution de personne à icône. Cependant, la caméra suit rarement son approche multiforme, réduisant Marley à un point fixe dans le temps et rendant les symboles qui l’entourent nettement littéraux.

Le pire de tout, c’est qu’il y a peu de moments dans le film qui correspondent à l’énergie de Marley en tant qu’interprète. Ben-Adir se laisse emporter par la musique, mais la caméra l’observe plutôt que de l’incarner. La mise en scène est à l’opposé de « révolutionnaire », ce qui donne un film qui ne semble clairement pas radical dans sa représentation d’une icône vénérée qui a non seulement révolutionné la musique, mais a également élevé la conscience politique.

Le film ne sombre jamais au point d’être inregardable, mais c’est en fait quelque chose de pire qu’ennuyeux. C’est un vide moral et intellectuel, engloutissant tout semblant de créativité ou de pensée radicale, comme s’il s’agissait d’un acte de pacification. C’est exactement le contraire de tout ce qu’était Bob Marley et de ce qu’il représentait.

Bob Marley : One Love sort en salles le 14 février.