« Frybread Face and Me » offre une représentation réconfortante du passage à l’âge adulte des Autochtones

Une rumination d’enfance sur la culture, du populaire au personnel.

Lorsque Benny, un garçon de 11 ans qui vient d’arriver dans la réserve, passe l’été avec sa grand-mère pour se connecter avec la culture navajo de sa famille, s’assoit pour le dessert avec la matriarche et son jeune cousin, on lui donne rapidement le « Visitor’s Fork . » Ses dents sont tordues au sommet d’une poignée dépareillée, un rappel physiquement inconfortable à son utilisateur qu’ils n’appartiennent pas à la table.

Benny est un peu offensé. Son cousin Fry le jauge. Les yeux de Benny regardent l’ustensile, un sourire tirant sur les coins de sa bouche. Il se sert ensuite rapidement une tranche de gâteau, prend la fourchette et, le toit de sa bouche se refermant sur le métal noueux, prend courageusement sa bouchée.

C’est l’une des nombreuses scènes gracieusement symboliques de Frybread Face and Me, une comédie dramatique réfléchie et sincère qui se déroule dans les années 1990 et le premier long métrage narratif du cinéaste Billy Luther (Navajo, Hopi et Laguna Pueblo), qui vise à assumer la représentation de jeunes personnages autochtones à l’écran.

« C’est nécessaire. Nous devons voir de jeunes enfants, nos enfants autochtones, à l’écran », a déclaré Luther à Indigo Buzz. « Ce qui est vraiment important pour moi, et pourquoi je suis venu au cinéma, c’est parce que je n’ai jamais vu ça grandir. Mon moi extérieur et ringard était juste prêt à raconter l’histoire. »

En première cette semaine à SXSW, il est facile de comprendre pourquoi de nombreux points de vente reprendraient l’exécutif de l’histoire autochtone sur le passage à l’âge adulte produit par le réalisateur et acteur nominé aux Oscars Taika Waititi, un nom qui est devenu synonyme à la fois des fluctuations à gros budget de Marvel et les contes représentatifs de films comme Jojo Rabbit et Hunt for the Wilderpeople. Waititi, qui fait fréquemment référence à son propre héritage maori, a tenu à soutenir les histoires autochtonesco-créant également Reservation Dogs de FX, qui suit la vie émotionnellement turbulente d’adolescents autochtones de l’Oklahoma.

Mais il serait injuste de ne rattacher cette histoire qu’à l’influence très médiatisée de Waititi. Ici, le film de 83 minutes, rempli de la chaleur et de la rareté de la vie des réserves dans le désert occidental américain, est catégoriquement, fièrement, Diné (une auto-identification pour la Nation Navajo, qui est souvent traduite par « Le Peuple »). Il est tressé avec des performances inédites et des acteurs autochtones qui ont travaillé dur pour des carrières variées, tissés ensemble par les expériences personnelles de Luther grandissant dans des villes adjacentes à la réserve le long de la route 66 et son expertise en tant que réalisateur de documentaires.

« Il a fallu beaucoup de communauté et de travail d’équipe pour faire ce film. Le financement était difficile, car il n’y a pas de grandes stars dans la communauté autochtone, et c’était un film sans nom », a expliqué Luther. « Il n’y a pas beaucoup de films autochtones pour commencer, et il n’y a certainement pas beaucoup de films autochtones comme celui-ci. »

« Frybread Face and Me » s’efforce d’être tout sauf un stéréotype ou un cliché, malgré son intrigue simple et les performances d’acteur simples de ses acteurs de soutien.

En 2018, IllumiNativeune organisation de défense dirigée par des femmes autochtones, a publié le premier Reclaiming Native Truth étude, qui a analysé l’impact des récits et des représentations culturelles autochtones dominants sur la lutte de la communauté pour l’équité. « Dans le programme d’études, les divertissements de la culture pop, les médias d’information, les médias sociaux et le système judiciaire, les voix et les histoires des peuples autochtones contemporains sont absentes. Dans ce vide jaillit un récit désuet ou romancé, riche de mythes et de perceptions erronées », groupe a écrit dans le résumé de l’étude. L’organisation a constaté que la représentation autochtone n’avait constitué, au plus, que 0,4 % des personnages de la télévision aux heures de grande écoute et des films populaires.

Ce manque d’inclusion informe également une partie d’un mouvement militant croissant et ses appels à l’urgence concernant le traitement des individus autochtones et de leurs communautés.

En 2020, des créatifs amérindiens et autochtones d’Hollywood, dans le cadre du Comité des écrivains amérindiens et autochtones de la Writers Guild of America West, ont publié une lettre ouverte aux dirigeants d’Hollywood exigeant qu’ils s’attaquent à la « représentation inadéquate ». et l’exclusion des promesses de diversité à l’échelle de l’industrie. Dans les années qui ont suivi, l’industrie du divertissement a entrepris un voyage ambulant pour renforcer son soutien et sa représentation de la narration autochtone à l’écran. Un rapport 2022 sur la diversité à Hollywood par l’Université de Californie à Los Angeles a constaté que les acteurs autochtones ne représentaient encore que 0,4% des rôles dans les émissions scénarisées par câble, 0,8% pour les émissions scénarisées numériques et 2% des émissions diffusées. Pour le cinéma, les artistes autochtones n’ont occupé que 0,6 % de tous les rôles d’acteur sur grand écran et représentaient 0,8% des réalisateurs et scénaristes.

Vous voulez plus d’histoires sur la représentation culturelle livré dans votre boîte de réception ? Inscrivez-vous à la newsletter Top Stories de Indigo Buzz aujourd’hui.

Frybread Face and Me s’efforce d’être tout sauf un stéréotype ou un cliché, malgré son intrigue simple et les performances d’acteur simples de ses acteurs de soutien. Lorsque Benny (joué par l’acteur pour la première fois Keir Tallman) est présenté aux téléspectateurs, il s’extasie sur Stevie Nicks, le chanteur de Fleetwood Mac virevoltant en jupe. Il joue les drames de grossesse d’un feuilleton télévisé fictif avec ses figurines articulées GI Joe. Il est accosté par son père autoritaire et traditionnellement masculin pour ne pas être assez homme, ce qui est réitéré plus tard par son oncle Marvin (Martin Sensmeier de Westworld).

« Êtes-vous un cow-boy ou une cow-girl ? » Marvin vise Benny au début du film. « Je suis… juste Benny ? répond le jeune garçon.

Exclu par les membres masculins de sa famille, Benny se connecte de manière révélatrice avec les femmes de sa vie, comme sa grand-mère qui l’embrasse (une performance en petits groupes de Sarah H. Natani.) Malgré la barrière de la langue – la grand-mère ne parle qu’à Benny et sa famille dans la langue Navajo, il n’a jamais été enseigné – elle le douche, littéralement et métaphoriquement, avec des mots d’affirmation alors qu’elle se lave personnellement les cheveux avec ses propres mains âgées. Benny est également nourri par sa tante Lucy (Kahara Hodges), une créatrice de boucles d’oreilles perlées et « esprit libre » accusée d’être une « lesbienne aux aisselles poilues », qui rêve de créer un salon de beauté.

Mais là où Benny établit son lien le plus profond, c’est avec son cousin Fry, le garçon manqué titulaire « Frybread Face » (joué par Charley Hogan) qui est sommairement déposé dans la caravane de grand-mère, tout comme Benny, et qui appuie fermement sur les ecchymoses parentales et culturelles de Benny. Fry (une version abrégée de son surnom qui masque son vrai nom, Dawn) est profondément liée à sa communauté Navajo, presque à tort.

« Mick Fleetwood est le meilleur batteur du monde », raconte Benny à Fry dans l’une de leurs tentatives pour traverser un canyon de différences de culture pop. « De toute évidence, vous n’êtes jamais allé à un pow-wow auparavant », est sa réponse.

Luther et ses collègues cinéastes faisaient leur part pour former la prochaine génération de créateurs autochtones.

L’échange culturel en couches est au cœur de Frybread Face and Me, mené fréquemment autour de la table du dîner ou à travers le combat d’insultes et de surnoms. C’est le dispositif de narration qui permet aux téléspectateurs d’apprendre les détails particuliers de la culture Diné de cette famille, et c’est aussi la façon dont les acteurs et l’équipe ont navigué pendant le tournage au Nouveau-Mexique, un endroit qu’ils ont choisi en raison de la fermeture des terres de la nation Navajo pendant les fermetures de COVID-19.

Tallman et Hogan ont suivi des cours fréquents sur les références de la culture pop des années 90, comme les cassettes et les poupées Cabbage Patch, et le mentorat d’acteurs plus âgés comme Sensmeier. Chacune des histoires personnelles de la distribution a informé la direction du plateau, physiquement et émotionnellement – ​​la bande-annonce de grand-mère ressemblait à celle des membres de leur propre famille, et les parents « rezzés » de Benny étaient profondément reconnaissables. Alors qu’elle regardait des cassettes VHS sur le plateau, Hogan s’est souvenue de « faire des bêtises » et de regarder des films avec sa famille dans la réserve. « Cela m’a vraiment donné l’impression d’être chez moi avec ma propre famille. Cela a mis une chaleur dans mon cœur », a-t-elle déclaré.

Pour beaucoup, les expériences étaient leurs propres miroirs à l’écran. « Chaque fois que nous commencions à filmer, nous n’avions pas l’impression qu’il y avait une caméra juste là », a expliqué Tallman. « Nous serions juste comme, ‘Nous sommes avec la famille.' »

« C’était comme si nous étions de retour au rez-de-chaussée. Le ranch est un personnage », a déclaré Luther. « Cette terre, la maison de grand-mère, tout ce qui l’entoure, c’est un personnage du film. » Grâce au financement et à la création d’un film comme Frybread Face and Me, rempli de représentation dans la distribution et l’équipe, Luther et ses collègues cinéastes ont fait leur part pour élever la prochaine génération de créateurs autochtones. « Je veux qu’ils aient ce souvenir de nous les laissant être eux-mêmes et honorant nos familles », a-t-il déclaré. « L’un des thèmes de ce film est la famille, comment nous sommes tous connectés, et je pense que c’est ce qui fait que ces histoires fonctionnent. »

Dans la poursuite de cet objectif, Frybread Face and Me a été guidé par sa matriarche, à la fois dans la vraie vie et à l’écran. « Je pense que c’est grand-mère, Sarah Natani, qui nous a vraiment soulagés », a déclaré Luther à Indigo Buzz. « Chaque fois qu’elle était sur le plateau, elle apportait quelque chose de si spécial. Elle est comme notre propre grand-mère : nous la respectons, l’honorons et la protégeons. »

Grand-mère n’a jamais renoncé à Benny, que ce soit pour ses intérêts ou son manque de connaissances, l’invitant à se joindre à son travail traditionnellement aligné sur le genre. Elle rappelait fréquemment la beauté de Fry en réponse à une insécurité tacite, et ils partageaient une force alors qu’ils communiquaient dans leur propre langue et participaient à des épisodes enfantins de faire semblant. Et, comme les téléspectateurs viennent à le découvrir, c’est elle qui a provoqué le premier rire de bébé de Benny – un événement important dans la vie d’un enfant Navajo honoré par une cérémonie du sel de la terre, quelque chose que Benny pourra plus tard participer pour son propre cousin.

La catharsis émotionnelle rencontre la renaissance émotionnelle.

En fin de compte, Benny est plus installé dans l’identité compliquée dans laquelle il a été quelque peu contraint. Lui et Fry découvrent une boombox dans le cabanon de l’oncle Marvin, insèrent une cassette et dansent avec une extase joyeuse aux côtés des moutons de la famille sur des affleurements rocheux. Silhouetté par le soleil couchant, chacune porte un des foulards de grand-mère et une jupe fluide, fièrement inspirée de Nicks.

Lorsque sa mère mise à l’écart retourne enfin chez sa propre mère pour récupérer son fils, seule, Benny peine à quitter le sol où cette nouvelle version a été semée. Mais il est temps pour lui d’appliquer ces leçons à son autre vie, dit sa grand-mère. Il reste des traces de son été dans la réserve et les détails d’une vie de préadolescent : des émotions compliquées, sa chemise Fleetwood Mac et la fourche du visiteur.