« ‘Critique de All of Us Strangers : Andrew Scott et Paul Mescal mènent le film le plus chaud et le plus triste de cette année  » .

Une histoire de fantômes presque parfaite.

Film d’une énorme charge émotionnelle et de splendides textures cinématographiques, l’étrange drame romantique d’Andrew Haigh, All of Us Strangers, est un voyage personnel et douloureux dans le temps. Une histoire de regrets et de fantasmes intimes, mettant en vedette les acteurs irlandais Andrew Scott et Paul Mescal dans le rôle d’Adam et Harry, deux voisins anglais queer de la métropole de Londres, dont la douce romance va de pair avec des confessions vulnérables et des récits de regrets familiaux. . Le film est incroyablement proche d’être un chef-d’œuvre, à l’exception d’une conclusion décalée qui ne correspond pas tout à fait au drame précédent.

Malgré sa fin dégonflante, le film de Haigh est extrêmement sûr de lui dans tout ce qu’il entreprend de réaliser. Son intrigue, qui implique Adam voyageant entre Londres et sa petite ville natale, pique la curiosité avec ses plans sinueux de son retour dans les banlieues tentaculaires de sa jeunesse. En revisitant ces lieux de son passé, il se lie d’amitié avec un couple légèrement plus jeune que lui, interprété par Jamie Bell et Claire Foy, dont le comportement étrange à son égard devient rapidement un étrange réconfort à l’heure où il s’ouvre à Harry, physiquement et émotionnellement, cela ressemble à une proposition terrifiante.

De quoi parle Nous tous, étrangers ?

Basé sur l’histoire de fantômes japonaise de 1987 Strangers de Yamada Taichi, All of Us Strangers contourne certains des éléments d’horreur de l’histoire (qui étaient un objectif majeur de l’adaptation du cinéaste Nobuhiko Obayashi en 1988, The Discarnates). Cela ne veut pas dire que Haigh écarte des éléments majeurs du roman, mais plutôt que son approche du matériel source en transforme le sens, alors qu’il sonde l’emprise que le chagrin et les souvenirs nostalgiques ont sur Adam, un scénariste qui a du mal à écrire sur son parents environ 30 ans après leur décès.

La version de l’histoire de Haigh est imprégnée d’un surréalisme subtil, sur lequel il tire le rideau rapidement et avec confiance. Il révèle, presque entièrement d’emblée, tout ce qui se déroule sous la surface – dont une grande partie est également révélée dans la bande-annonce – permettant une histoire moins préoccupée par les tours de passe-passe (pour la plupart) et plus axée sur le visuel, l’auditif. et un attrait émotionnel, alors que Haigh met des mots et des images sur des émotions enfouies depuis longtemps et trouve des expressions cinématographiques pour ce qui est souvent inexprimable. C’est émouvant et émouvant, malgré la façon dont il revient sur certaines de ses énormes réalisations émotionnelles à la fin.

Un voyage dans la ville natale d’Adam l’amène à rencontrer le personnage marié et d’âge moyen de Bell, un homme sans nom qui semble connaître Adam et l’invite chez lui. Bell et Foy – jouant un couple dont le comportement et la tenue vestimentaire sont nettement anachroniques – se réfèrent à Adam comme à leur fils, bien qu’il soit légèrement plus âgé qu’eux, car le film se révèle rapidement être une sorte d’histoire de fantômes, impliquant de fréquents voyages dans un environnement presque désertique. -le chemin de la mémoire littérale.

De retour à Londres, le « monde réel », pour ainsi dire, les choses sont tout aussi étrangement esquissées. Adam vit dans un tout nouveau complexe d’appartements, où son seul voisin est le jeune et mystérieux Harry, dont il repousse d’abord les flirts ivres avant de finalement le laisser entrer pour partager un verre. Alors qu’Adam commence à partager son temps entre son nouveau copain et les visions spectrales qu’il voit ou imagine dans la maison de son enfance, il est obligé de confronter le passé tout en imaginant une version du présent qui ne pourrait pas exister – y compris la tâche difficile de faire son coming-out. versions de sa mère et de son père piégés dans l’ambre à la fin des années 1980. C’est comme si l’imagination d’Adam suivait une ligne fine et tragique, évoquant les meilleurs et les pires aspects non seulement de qui ils étaient, mais aussi de ce qu’ils ne pourraient jamais être.

Haigh, qui a à peu près le même âge qu’Adam, met son expérience personnelle dans cette adaptation (dans laquelle il remplace le couple hétérosexuel du livre par deux hommes homosexuels, avec la bénédiction de Yamada). Ce faisant, il résume l’évolution de l’histoire moderne de l’homosexualité et de l’homosexualité au cours de périodes tendues comme la crise du sida en une série d’échanges interpersonnels captivants, que ce soit entre Adam et ses parents – dont l’acceptation à son égard est aimante, mais à contrecœur – ou entre lui et Harry, un jeune millénaire dont la conception (et la relation avec) l’homosexualité et le mariage homosexuel ne s’accompagne pas de la même peur et de la même honte que la sienne.

Cependant, cette perspective politique n’est qu’un sous-texte dont la fonction principale est d’introduire des déconnexions dramatiques entre Adam et les gens qui l’entourent. Son expérience ne lui est pas unique, mais elle n’en est pas moins isolante, le laissant éloigné non seulement des autres, mais aussi de lui-même. Haigh permet à cette solitude perçante de rayonner dans chaque scène, en utilisant des fioritures cinématographiques qui font de All of Us Strangers l’un des films les plus captivants de cette année.

Andrew Haigh remplit All of Us Strangers de merveilleuses fioritures cinématographiques.

Dès ses premières images, All of Us Strangers est une merveille visuelle. Un lever de soleil au loin, reflété dans la fenêtre d’un appartement, projette une lueur orange sur Adam, qui semble trop las et épuisé pour apprécier pleinement sa beauté. Il s’agit essentiellement de l’histoire du film en microcosme, dans laquelle les complications causées par trois décennies de chagrin, non résolues et non affrontées, ont fermé Adam à l’idée d’aimer et de vivre dans le présent.

Alors que la nostalgie d’Adam est sans aucun doute une forme de poison – quelque chose que le roman de Yamada et Les Discarnés d’Obayashi rendent presque littéral – ses voyages dans sa maison d’enfance sont esquissés avec une beauté palpable et époustouflante. Ses soirées passées dans une version idyllique du passé (ou aussi idyllique qu’il est capable de l’imaginer) dégagent un sentiment de confort d’enfance, dont il avait été privé par hasard il y a trente ans. La palette de couleurs du film, gracieuseté du directeur de la photographie Jamie D. Ramsay, est chaleureuse et onirique, transformant chaque rencontre entre Adam et sa mère, son père, ou les deux ensemble, en souvenirs dorés à une heure magique perpétuelle, alors que la lumière du soleil pénètre à travers chacun d’eux. la fenêtre enveloppe et éclaire à la fois.

Mais ce n’est pas seulement le temps passé dans ce domaine de la mémoire qui semble mélancolique et sûr. La façon dont Haigh décrit la tentation de voyager et d’entrer dans cette conception du passé est tout aussi puissante. Chaque trajet en train qu’Adam effectue – chaque fois qu’il quitte la grande ville et ses déceptions pour revenir à la simplicité d’une petite ville – est enchaîné par des transitions de scènes rythmées et intentionnelles sous la forme de longs fondus enchaînés qui mettent l’accent non seulement sur le temps, mais aussi sur le sentiment. . Le monteur Jonathan Alberts veille à ce que chaque fois que les images se chevauchent, les effets sont tout aussi temporels qu’émotionnels, créant une impression d’ambiance autour de chaque lieu qu’Adam (re)visite. Plus chaque fondu entre les gros plans et les plans d’établissement dure longtemps, plus on a l’impression que les images superposées d’Adam et de son environnement sont cimentées plutôt que simplement montrées. Cette technique imprègne l’histoire de nostalgie en tant que sentiment difficile à ébranler, plutôt qu’une simple idée tenue pour responsable, permettant à Adam et au public de glisser lentement dans le passé comme s’il s’agissait d’un lieu réel.

Ce faisant, la question dramatique centrale du film devient d’autant plus pressante à mesure que sa relation amoureuse évolue : Adam laisse-t-il Harry entrer dans ce monde immaculé de chagrin et de souvenirs qu’il s’est créé pour lui-même, dans toutes ses implications laides et terrifiantes ? Se laisse-t-il pleinement voir ?

Andrew Scott et Paul Mescal livrent deux des meilleures performances de l’année.

La plus grande force du film réside peut-être dans ses quatre performances centrales. Ce ne sont pas seulement des piliers soutenant son drame, mais des reflets les uns des autres de manière belle, significative et souvent dévastatrice, ancrés par la morosité réfléchie de Scott alors qu’il cherche des indices de répit éphémère partout où il peut le trouver.

Les échanges entre Adam et ses parents, bien que totalement imaginaires, trahissent un charmant sentiment de réalisme dans leur prestation. Ils pourraient tout aussi bien avoir lieu entre personnes vivantes, au gré des flux et reflux des conversations, et des frustrations spécifiques et tamisées, emblématiques des discussions entre enfants et parents à la croisée des générations. Bell et Foy jouent peut-être des fantômes du passé, mais même en tant que manifestations des souvenirs d’Adam, ce sont des personnages pleinement formés dont le sens de l’auto-réflexion difficile reflète le développement arrêté du scénariste d’âge moyen. Ils répondent aux questions d’une manière qu’il imagine qu’ils le feraient vraiment, ou d’une manière qu’il espère qu’ils pourraient avoir – un mystère émotionnel insoluble qu’il semble constamment créer, résoudre et résoudre par lui-même dans plusieurs scènes, même s’il n’a pas de réponse connaissable. . Ils sont, après tout, le produit de sa conception limitée d’enfant de 12 ans, sur lequel il est obligé de projeter des vies d’adulte complètes à travers le prisme de sa propre expérience et de sa déception d’adulte qui n’a pas encore tout à fait vécu.

En tant que père d’Adam, Bell navigue dans le stoïcisme silencieux et raide du personnage comme s’il était plein à craquer, désespéré de montrer une sorte d’émotion et de se connecter avec son fils perdu depuis longtemps. Il est à la fois tel qu’Adam se souvient de lui et tel qu’il espère qu’il aurait pu être. Comme sa mère, Foy est tout aussi tragique et amusante, une femme dont les rêves correspondent rarement à la réalité et qui gère cette rupture avec une franchise piquante. Ce sont les meilleures et les pires qualités d’Adam rendues manifestes.

Cependant, c’est l’espace émotionnel créé par Scott et Mescal, tout comme Adam et Harry, qui permet au film de chanter. Leur dynamique sexuelle, bien qu’initialement hésitante, devient palpitante et vulnérable, impliquant des scènes d’intimité physique brute qui frisent la libération. Plus leurs murs s’effondrent – ​​une petite brique à la fois, dans un tête-à-tête émotionnel où les deux acteurs se saluent lentement dans une étreinte silencieuse et implicite alors qu’ils dévoilent des secrets avec leurs yeux – plus ils ont l’impression de pouvoir se connaître.

Malheureusement, le film repose également sur une révélation de dernière minute qui place la relation évolutive du couple dans un nouveau contexte étrange. C’est décevant et dégonflant, non pas pour la manière dont cela est surprenant, mais pour la façon dont cela finit par transformer leur romance en un rechapage d’idées d’histoire auxquelles le film a déjà été confronté. Ayant été dramatiquement lucide jusqu’à présent, le film finit par s’appuyer sur l’obscurcissement – ​​une répétition qu’il ne peut pas vraiment synthétiser en quelque chose de pleinement significatif ou profond, malgré sa merveilleuse approche visuelle.

Mais malgré cet écart de dernière minute – qui double les configurations existantes, plutôt que d’offrir le contraste des gains dramatiques – All of Us Strangers reste un exemple émouvant de la façon dont le cinéma peut fusionner tragédie et catharsis en une seule. Il s’agit, après tout, d’un médium de fantômes qui nous sont reflétés dans le passé, une notion sur laquelle Haigh se penche sans hésitation ni excuses. Il donne vie à des fantasmes sur le simple, le banal et même le désagréable, à travers son histoire fantasmatique d’un homme d’âge moyen qui souhaite, plus que tout, pouvoir faire son coming-out à ses parents – et pour qui aimer, et être aimé, implique l’acte difficile d’abandonner ce fantasme.

All of Us Strangers a été examiné au Festival du film de New York. Le film sortira en salles le 22 décembre.