Critique de « Cat Person » : une adaptation de mauvaise qualité d’une superbe nouvelle

La comédie dramatique à moitié cuite de Sundance étend ses sources sans y ajouter grand-chose.

Basé sur la nouvelle populaire new-yorkaise de Kristen Roupenian de 2017, le drame romantique/comédie noire de Susanna Fogel, Cat Person, fait partie des films les plus indécis sur la scène des festivals de cette année, sur le plan tonal et visuel. Après sa première à Sundance en janvier, le film a reçu ce que le directeur général adjoint du groupe Canal+ (la société mère des producteurs Studio Canal) a qualifié d' »offres catastrophiques » de la part des distributeurs. Ce n’est pas tout à fait le désastre que cette fuite aurait pu laisser croire, mais c’est si souvent clair dans son récit, et donc finalement décalé dans la façon dont il adapte la conclusion de l’histoire, qu’il reste loin d’être divertissant ou divertissant. incisif.

Comme le court métrage sur lequel il est basé, Cat Person suit Margot (Emilia Jones), caissière de cinéma et étudiante en deuxième année d’université, lors de son rendez-vous incroyablement gênant avec Robert (Nicholas Braun), un homme plus âgé qui se révèle décevant et peu sûr de lui malgré sa douceur extérieure. Mais là où l’écriture de Roupenian a mis au jour l’intériorité des personnages – réelle dans le cas de la protagoniste Margot, imaginée dans celui de Robert – Fogel et la scénariste Michelle Ashford ont du mal à extérioriser efficacement les nombreux thèmes vers lesquels leur adaptation ne cesse de faire signe, qu’il s’agisse des mines terrestres que les femmes doivent naviguer tout en sortir ensemble ou simplement l’inconfort de l’ambiguïté.

De quoi parle Cat Person ?

Quels que soient les défauts de Cat Person – et il en a beaucoup – le film ne peut certainement pas être accusé de manquer d’ambition. Il s’ouvre sur le texte à l’écran de l’une des citations les plus célèbres sur les différentes expériences de genre, de Margaret Atwood, auteur de The Handmaid’s Tale : « Les hommes ont peur que les femmes se moquent d’eux. Les femmes ont peur que les hommes les tuent. » Il utilise cette déconnexion dans la perception comme dispositif de cadrage et tente de filtrer les événements qui s’ensuivent à travers la perspective de Margot. Le film ne manque pas d’idées, mais la façon dont il les assemble manque souvent de finesse et de prévoyance. Les scènes individuelles, généralement axées sur les angoisses de Margot à l’égard du monde qui l’entoure, semblent déconnectées du tout.

Même avant que Robert n’entre dans sa vie, son point de vue s’égare parfois dans un territoire cauchemardesque semblable à un film slasher, mais pas nécessairement parce qu’elle ne se sent pas en sécurité dans un monde conçu pour la commodité et le confort des hommes. Par exemple, elle a une vision d’un couloir ensanglanté qui n’a rien à voir avec la scène précédente où elle rentrait seule chez elle la nuit et regardait par-dessus son épaule, mais qui s’étend plutôt à une histoire apparemment sans rapport où elle tentait d’amener un chien dans le couloir. son dortoir, au grand dam de son RA.

Il y a au moins un exemple de ce ton proche de l’horreur qui fonctionne, dans une scène inventée pour le film dans laquelle Margot et Robert se retrouvent enfermés dans une petite pièce (par accident, affirme-t-il). Cela est défini par une tension brève mais perçante, et c’est à peu près la seule fois dans Cat Person où l’incertitude de Margot quant aux intentions de Robert est vraiment terrifiante, car elle n’a pas encore été en mesure de déterminer s’il est aussi inoffensif qu’il y paraît. Mais pour l’essentiel, le film n’est pas disposé à échanger sur ces inconnues comme le fait la nouvelle, bien qu’il se concentre en grande partie sur ce que Margot imagine la vie et la personnalité de Robert.

Les scènes dans lesquelles elle représente ces inconnus sont amusantes par à-coups, et tour à tour dégoûtent et excitent Margot, mais ni son dégoût ni son excitation ne reçoivent une forme cinématographique expressive. Au lieu de cela, ils sont généralement commentés à distance ; dans le cas de la scène de sexe maladroite du film, elle imagine un double physique d’elle-même qui la regarde de loin, avec qui elle a une conversation entière. Il ne s’agit cependant pas d’une représentation d’une expérience hors du corps en soi, ni d’une Margot se sentant honteuse de ses décisions. Au contraire, il est présenté simplement comme un moyen de livrer des monologues internes et des punchlines – des références verbales à l’humeur, plutôt que des incarnations esthétiques de celle-ci.

Parfois, les déconnexions du film sont mineures : pourquoi l’imagination de Margot présente-t-elle un cri de Wilhelm comme un œuf de Pâques alors que l’un de ses seuls traits déterminants est de ne pas aimer Star Wars ? – mais les plus gros exacerbent ses problèmes. En décrivant l’histoire dans la célèbre citation d’Atwood et en filmant chaque espace comme une ruelle sombre et crasseuse (même si c’est une rue bien éclairée), le film tente d’une part de créer un sentiment d’ambiance et de danger autour des expériences de Margot, mais ils ont une qualité joviale lorsque le film change de vitesse et devient carrément comique.

Ce n’est pas que ces deux modes ne puissent coexister ; des films récents comme Fair Play de Chloé Domont et The Royal Hotel de Kitty Green affichent un immense équilibre tonal lorsqu’il s’agit d’expériences similaires, concernant la façon dont les femmes naviguent quotidiennement dans les espaces masculins. Au contraire, Cat Person ne semble pas pouvoir les mélanger en quelque chose de dissonant sur le plan cognitif. La démarcation entre ses scènes étranges et comiques est, au contraire, beaucoup trop nette, un problème qui vient de la façon dont il est adapté.

En quoi Cat Person diffère-t-il de la nouvelle new-yorkaise ?

Même si le court métrage était sans aucun doute plus épuré, la version cinématographique ajoute un certain nombre d’éléments décalés qui se mélangent rarement à l’histoire en question. La première est qu’il donne à la colocataire de Margot (Geraldine Viswanathan) une intrigue secondaire longue et répétitive sur les espaces féminins en ligne qui est censée refléter la situation difficile de Margot, mais qui ne mène pratiquement nulle part à la fin. Mais plus pertinent encore, la version cinématographique étend la chronologie de la nouvelle bien au-delà de sa fin originale. Ce faisant, il semble oublier pourquoi sa conclusion a eu un tel impact en premier lieu, au point de devenir une sensation virale.

La conclusion du court métrage est un dénouement thématique, mettant en avant un aspect auparavant incertain de la perspective de Robert et – sans le clarifier tout à fait – le détaillant avec des mots et des intentions suffisamment percutants pour qu’il atterrisse avec un bruit sourd familier. C’est peut-être le seul moment de vraie lucidité dans l’histoire pour Robert. Jusque-là, son identité semble occultée et il ne se révèle qu’à travers des notes d’agressivité et d’insécurité que Margot est obligée de lire et d’interpréter. Bien sûr, une version cinématographique de ceci est intrinsèquement différente ; là où les paroles de Roupenian nous ont mis au courant de fragments spécifiques de Robert, la caméra est beaucoup plus un observateur objectif nous offrant une vision plus complète de son comportement et de son langage corporel.

Cependant, Fogel a du mal à imprégner cette objectivité cinématographique d’un sens subjectif. Les plans eux-mêmes semblent rarement être le résultat du point de vue de Margot ; ils ne mettent jamais en valeur ni ne mettent en valeur, par la lumière ou le son, aucun aspect de sa forme ou de sa personnalité. Bien sûr, la caméra n’a pas besoin d’être subjective pour qu’une histoire comme celle-ci fonctionne, mais son objectivité semble plus accidentelle qu’intentionnelle. Seul aspect véritablement subjectif du film, le dialogue de Margot sur Robert – que ce soit avec elle-même ou avec sa colocataire au téléphone, qui fonctionne comme une pseudo-voix off – ne s’écarte jamais des images, mais décrit généralement exactement ce qui est à l’écran. Cela n’a aucun sens d’implication ou d’insinuation ; les mots ne complètent ni ne contredisent l’image, il n’y a donc aucune fantaisie ni tension dans leur interaction. Vous pouvez regarder le film en mode muet ou fermer les yeux et vivre exactement la même expérience.

Qu’en est-il de la fin de Cat Person ?

Le pire de tout est peut-être la façon dont la version cinématographique aborde un troisième acte loufoque au-delà de la conclusion du court métrage. Cela se lit comme une comédie burlesque universitaire sur papier, mais il est censé se dérouler comme un thriller intime. Il s’agit d’une extension profondément confuse et déroutante qui n’ajoute pas grand-chose aux ruminations de l’histoire sur l’insécurité masculine filtrée par l’imagination féminine.

Au lieu de cela, il rend littéralement certaines des ambiguïtés les plus notables du court métrage – comme la nature de son titre, sans trop en dévoiler. Cela explique également en partie pourquoi choisir Braun dans le rôle de Robert ne fonctionne pas vraiment. C’est un interprète plus que compétent, comme on le voit dans Succession, mais il a une sincérité aux yeux de biche qui l’empêche de superposer et de cacher les intentions de Robert derrière des lignes spécifiques, que Margot est censée avoir du mal à interpréter. C’est un acteur qui clarifie plutôt que dissimule.

Cela fonctionne pour une série comme Succession, avec son style documentaire et sa concentration sur des salauds qui le cachent à peine, mais cela contredit une histoire sur des inconnus et des questions approfondies sur les intentions. Au contraire, Margot semble un peu stupide de ne pas être capable de lire les motivations que Braun expose clairement au quotidien. Jones fait un excellent travail dans le rôle de Margot, et elle ajoute de manière adéquate un sentiment de peur et d’incertitude à chacun des regards du personnage, mais encore une fois, le même problème se pose dans le processus de la faire agir à l’opposé d’une conception de Robert qui expose tout sur la table.

Cela rend le long acte final du film encore plus étrange, en donnant l’impression que les actions protectrices et préventives de Margot contre Robert sont carrément méchantes ; tandis que Braun le joue, la sincérité de Robert ne semble jamais se heurter aux implications les plus sombres du texte source. En effet, le film incarne par inadvertance son point de vue plutôt que le sien. Bien qu’il n’envisage qu’occasionnellement la peur ressentie par les femmes, selon la citation d’Atwood, il capture très certainement l’embarras de Robert, peut-être encore plus clairement.

D’une durée de deux heures, ce post-scriptum prolongé semble tout à fait excessif. Cela ne contribue pas à détailler le point de vue ou le monde émotionnel de Margot, et ne fait que le confondre. Le résultat final est un film qui méconnaît fondamentalement les éléments dramatiques les plus subtils et les plus succincts de la nouvelle originale.

Cat Person ouvre en version limitée le 6 octobre.